Die neuen Regeln des spanischen Pop: „Früher sagten sie dir: ‚Das sind deine 12 Songs, nimm sie auf.‘“

„Spiel es schnell“, sagt Greta. „Aber wie spiele ich es schnell?“, antwortet Ainoa. „Doppelpfeil.“ „Aber gefällt es dir, wenn ich Tick-Tack mache ? “ „Vielleicht nicht so extrem.“ „Na ja, eins nach rechts und eins nach links, und das war’s.“ Dieses Tick-Tack ist ein kleiner Raum in einem Computerprogramm. Ein winziges Fragment zwischen unzähligen Farbreihen auf einem Breitbild-Computerbildschirm, das chirurgisch verändert wird, um Teil eines Popsongs zu werden.

Im Produktionsstudio herrscht absolute Stille: Die Wände sind isoliert. Die Beleuchtung ist gedämpft, abgesehen vom Leuchten des Monitors und zweier Laptops auf dem Schreibtisch, unter dem sich eine Klaviertastatur befindet.

Mit zwei Mausklicks lässt sich dieser Rhythmus leicht verändern und so das eine oder andere Tiquipum erzeugen. Völlig anders für Ainoa Buitrago , Komponistin, Produzentin und Musikerin. Für die breite Öffentlichkeit kaum wahrnehmbar.

Die in Madrid geborene Buitrago gilt als Komponistin von Songs von Sängern wie Ana Guerra, Miki Núñez und David Bisbal . Sie kennt den gesamten Entstehungsprozess eines Songs aus erster Hand, von der Idee bis zum Hochladen auf Spotify. Einen ihrer neuesten Songs, Nostalgia , hat sie sogar ganz allein geschrieben, komponiert und produziert. „Ich habe ihn in 15 Minuten geschrieben und nicht weiter darüber nachgedacht“, erklärt sie. „Schwieriger war die Produktion: Ich wusste nicht, wie ich ihn strukturieren sollte. Ich wusste, dass es ein richtig guter Song war, aber ich wollte ihn produktionstechnisch nicht vermasseln.“

Künstler sind heute viel stärker in die musikalische Komposition involviert und wissen, wie sie nach ihren eigenen Regeln einen perfekten Popsong kreieren, der in die Charts kommt (oder es zumindest versucht). Neue Regeln. Im Spanien des Jahres 2001, dem Jahr der ersten Operación Triunfo , war es üblicher, dass Komponisten einem Interpreten ein vorgefertigtes Werk zum Singen anboten. Im heutigen Spanien sind junge Interpreten an der Kreation ihrer eigenen Hits beteiligt: Text, Akkorde und Melodie.

„Früher war es wichtiger, dass ein Song im Radio Erfolg hatte und kraftvoll klang“, sagt die gebürtige Madriderin. „Alles wurde viel stärker von der Industrie diktiert“, fügt sie hinzu. „Heute lässt man einem absolute Freiheit. Sie wollen nur einen großen Hit im Radio, und das war’s; wir Künstler kümmern uns um den Rest .“ Allerdings gibt es kein Patentrezept für den Erfolg eines Songs: „Ich werde keinen Song schreiben und einem Sänger sagen: ‚Damit reißt du sie um‘, denn wenn das der Fall wäre, würde ich ihn zuerst für mich selbst schreiben.“

Diese Branche, auf die sich Buitrago bezieht, aus den späten 90ern und frühen 2000ern, „dieses ganze Vale Music-Phänomen, die Triunfitos“, definiert Franchejo Blázquez als „sehr altmodisch“: „ Diese Leute fragten nach dem Repertoire und wählten aus dem, was verfügbar war , wobei sie sich stark von ihrer Plattenfirma beraten ließen.“ Es gab Kandidaten bei Operación Triunfo , denen von der Plattenfirma gesagt wurde: „Das sind eure 12 Lieder, nehmt sie auf.“

„Mit dem Wissen und den Einflüssen, die die Menschen haben, erlebt die spanische Musik derzeit einen sehr guten Moment.“

Franchejo Blázquez

Die Erklärung ist einfach, meint der Künstlermanager, CEO von Suricato Music und Professor für Grundlagen des Musikgeschäfts : „Es war eine Zeit, in der so viele Platten verkauft wurden, dass der Inhalt eigentlich keine Rolle mehr spielte.“ Blázquez drückt es unverblümt aus: „ Sie haben eine Platte gemacht, die ein bisschen Wegwerfware war .“

Diese Boomphase endete mit dem Ende von Piraterie und illegalen Downloads. Blázquez erklärt, dass es in den 2000er Jahren aufgrund dieses Problems zu einer Regeländerung kam, „weil die Plattenfirmen sahen, dass ihr Flaggschiffprodukt plötzlich an Wert verlor.“ „Als Alejandro Sanz Más (1997) oder El alma al aire (2000) herausbrachte, hielten Paletten mit 200 Platten bei El Corte Inglés nur zehn Minuten“, beschreibt er. „Das gibt es heute nicht mehr.“

Laut Promusicae sanken die Schallplattenverkäufe von 700 Millionen Euro im Jahr 2001 auf 160 Millionen Euro im Jahr 2013. Es war das Jahr, in dem sich in Spanien die wenigsten Tonträger verkauften. Und das Jahr, in dem die Umsätze stetig zu steigen begannen. Im vergangenen Jahr wurden mehr als 500 Millionen Euro für Tonträger ausgegeben. Das digitale Format ist jedoch führend: Es macht 89 % der letztjährigen Zahlen aus.

Blázquez warnt: „ Es wird viel gute Musik gemacht, aber ich glaube auch, dass viel schlechte Musik gemacht wird . Da viel Musik gemacht werden kann, ist viel davon schlecht.“

Es gehört auch nicht zu denen, die behaupten, die Vergangenheit sei besser gewesen: „Früher gab es viele schreckliche Platten und einige gute, aber jetzt, mit dem Wissen und den Einflüssen, die die Leute haben, erlebt die spanische Musik einen sehr guten Moment.“ „Ein Komponist, den ich immer unterstütze, ist Antonio Flores“, sagt er, „und viele Komponisten und Musikexperten sagen, dass Rosarios De Ley eines der besten Popalben ist, die je in unserem Land gemacht wurden. Aber in der Vergangenheit gab es mehr Sonias und Selenas als De Leyes .“

„Es gibt einen großen Unterschied zwischen Komponisten der alten Schule und den Komponisten von heute.“

Yarea Guillén

Zum aktuellen Stand der Musik nennt er mehrere Beispiele: „ Maria José Llergo, Dani Fernández, Paula Koops, Valeria Castro, Judeline, Arde Bogotá …“ Die Liste ist endlos. „Wir haben einige wirklich gute Leute.“

Yarea Guillén gehört zu dieser Gruppe junger Künstler und Komponisten. Sie hat an Liedern von Dani Fernández, Edurne, Candela Gómez und Charlie USG mitgewirkt. Für Guillén kann die Initialzündung für ein Lied etwas ganz Alltägliches sein: „Heute Morgen saß ich im Auto, mir kam eine Melodie in den Sinn, und ich nahm sie an einer Ampel auf, mehr oder weniger mit dem Text“, sagt die junge Künstlerin und Komponistin.

Diese erste Idee wird mit dem Produzenten ausgearbeitet und eine vorläufige Stimme aufgenommen. An einem anderen Tag, als sie „richtig wütend“ war, sagte sie zu ihrem Produzenten Álex Granero: „Ich habe mit meinem Partner gestritten. Ich möchte einen Song darüber machen. Gib mir einen Pitch. Also macht Alex mir ein paar Vorschläge, bis mir einer gefällt und ich sage: ‚Das hier, lass es uns machen.‘“

Mit Rädern meint die gebürtige Bilbaoerin Akkordfolgen und erklärt: „Ich mag d-Moll, F, C, G sehr. Das ist mein Hit -Rad, es klingt sehr nostalgisch.“ Sie erklärt, dass es auch „superlegendäre“ Pop-Akkorde gibt: „C-Dur, a-Moll, G, D-Dur.“

Yarea enthüllt Akkorde, die in Liedern wie „Hey Jude“ von den Beatles , „Zombie“ von The Cranberries (a-Moll), „Imagine“ von John Lennon (C-Dur) oder „Thinking Out Loud“ von Ed Sheeran (D-Dur) verwendet werden.

Als Beispiel für ein Lied mit seinem „Rad der Hits“ greift die Komponistin ohne zu zögern zur Gitarre und erklärt: „Part C of Me has invitado a bailar , von Dani Fernández , jetzt weiß ich nicht, wie es sein wird, weil wir den Ton geändert haben, damit er es singen kann. Als wir es komponiert haben, haben wir es wie diese herzzerreißenden Teile gestaltet, die Sie erwähnen …“ Und sie beginnt direkt zu singen: „Nein, ich weiß nicht, was passieren wird, aber ich glaube, es steht viel mehr auf dem Spiel …“

Künstler beteiligen sich zunehmend und werden stärker in den kreativen Prozess eingebunden, doch früher war das ganz anders: „Es gibt einen großen Unterschied zwischen den Komponisten der alten Schule und denen von heute“, erklärt Yarea .

Sie erinnert sich an die Zeit, als sie und Fernández eine Session mit einem Komponisten Mitte 50 besuchten. „Er hatte bereits einen kompletten Beat geschrieben und eine Gesangsmelodie parat“, erinnert sie sich. Nur der Text fehlte, und beide hatten das Gefühl, dass er nicht ihren Vorstellungen entsprach: „Der Song ist gut, aber ich habe ihn nicht geschrieben.“ „ Ich habe einen Generationssprung erlebt “, bemerkt sie.

Tatsächlich dachte die junge Künstlerin zu Beginn ihrer Karriere in der Musikbranche, es gäbe große Komponisten, die Lieder für andere schrieben, „wie Halbgötter vom Olymp, die sich dort versteckten“. Und sie liegt nicht ganz falsch. Der große Manuel Alejandro schrieb „Yo soy aquel“ von Raphael oder „Yo soy rebelde“ von Jeanette . Weder der aus Jaén stammende noch der britische Sänger werden als Komponisten des Liedes genannt.

Das aktuelle Paradigma ist anders. Paula Koops , eine junge Künstlerin mit über 300.000 monatlichen Hörern auf Spotify, hält es für entscheidend, nicht nur an der Komposition ihrer Musik beteiligt zu sein, sondern darüber hinaus: „Um eine Verbindung zu den Menschen herzustellen, müssen meine Projekte autobiografisch sein und meine Erfahrungen widerspiegeln. Deshalb nehme ich am gesamten kreativen Prozess teil, von der Idee und Komposition bis hin zum Musikvideo und den Auftritten. Ich bin gerne in jedes Detail involviert.“

Ainoa Buitrago erklärt, dass die Leute manchmal „ohne irgendetwas kommen und einfach mit dem Strom schwimmen“. „Das Plattenlabel schickt sie zu dir, auf der Suche nach radiotauglichen Songs, und als Komponist muss man viel Empathie zeigen.“ Und sie vergleicht diese Arbeit mit einem anderen Beruf: „Ich bin wie eine Übersetzerin; du erzählst mir etwas und wir suchen nach einem Weg, es zu finden. So ist es mir mit Miki Núñez passiert, die mir etwas über ihre kranke Großmutter erzählte, und wir haben in 15 Minuten einen wirklich schönen Song gemacht, einen der coolsten, die ich je gemacht habe.“ Der fragliche Song: Dime que no duele .

Es gibt jedoch einen Teil des Projekts, der selbst dem Künstler entgeht. Der Moment, in dem die Computer- Tiquipums König sind: In der Stille des Studios und vor einem großen Computerbildschirm findet der Produktionsprozess statt.

„Der Produzent wird Sie bitten, das Demo niemandem zu schicken oder es tausendmal anzuhören, weil Sie sonst besessen davon werden und ‚Demoitis‘ bekommen.“

Ainoa produziert einen ihrer Songs selbst: Text, Musik und Gesang. „Ich habe das Produktionsmaster bei Warner gemacht“, erklärt sie. Für den Song „ Nostalgia “ fügte sie „13 Gitarren und jede Menge E-Gitarrenarrangements hinzu, aber ohne eine extrem dichte Produktion. Er ist sehr gut gemacht, aber minimalistisch.“ Und all diese Gitarren müssen quantisiert werden: „Quantisieren bedeutet, die Geschwindigkeit des Instruments, die BPM ( Beats pro Minute), anzupassen. Dafür nutzt man eine DAW, also die Software zur Gestaltung des Songs, zum Beispiel Logic, Abelton oder Pro Tools.“

Für die Produktion ist es ideal, wenn der endgültige Gesang bereits in der DAW aufgenommen ist. In diesem Fall gab es jedoch ein kleines Aufnahmeproblem: eine Erkältung: „Ich arbeite aufgrund von Deadlines ohne den endgültigen Gesang, da dieser Gesang nicht der endgültige ist. Ich werde ihn also noch einmal aufnehmen.“ Ainoa scheint sich nicht bewusst zu sein, dass ihr „unfinaler“ Gesang fantastisch klingt.

Marta Berlín , eine aufstrebende Sängerin aus Madrid, die auf Spotify bereits Tausende von Hörern pro Monat hat, hält die Rolle des Produzenten für entscheidend: „Manchmal nehme ich Ideen zu Hause auf und schicke sie an den Produzenten , weil er versteht, in welche Richtung man geht. Es ist unglaublich wichtig, ihn im Team zu haben.“ Das im Studio aufgenommene Demo wird der Produzent „dich bitten, es niemandem zu schicken oder es tausendmal anzuhören, weil du sonst besessen wirst und Demoitis bekommst, ein Begriff, der sehr oft verwendet wird.“

Um den Song fertigzustellen, fehlen noch zwei Schritte. Ainoas Computer-Daten müssen für den Mix exportiert und die Lautstärke angepasst werden. „Wenn alle mit dem Mix zufrieden sind, wird er gemastert. Dabei wird die Lautstärke des Songs ohne Verzerrungen erhöht.“

Die Magie ist bereits geschehen. Ein Song wird erstellt, auf digitale Plattformen hochgeladen und im Radio gesendet. Mit etwas Glück wird das wahr, wovon Paula Koops träumt: „Dass ein Song plötzlich mega-viral wird und dir hilft, eine Movistar Arena zu füllen, und alles, was du dir vorstellst, passiert, richtig?“